年终岁末之际，让我们谈谈除年夜饭之外最期待的贺岁片

是没人听，还是都没意见？

有人听啊

你的声音很陌生

希望能尽快看到你的作品

法国是电影艺术的故乡。111年前，法国人卢米埃尔兄弟在巴黎放映了世界上第一部电影《火车进站》之后，电影正式走进了人们的生活。后来看电影成为世界各地重要的娱乐组成部分，做电影也成为很多人一生的梦想。电影的起源地法国在这一百多年来仍然一直是电影丰盛的产地，每年生产200多部影片；而法国人对电影艺术的痴迷正如他们对于书籍的热爱一样，世界闻名。每年5月，在法国南部小城嘎纳举行的嘎纳国际电影节，则是在法国进行的和奥斯卡齐名的世界电影盛会。




嘎纳电影节是世界上最大、最重要、最有影响力的电影节之一。

设立嘎纳电影节最初的想法出现在1939年，当时，欧洲的另一个国际电影节威尼斯电影节被意大利法西斯控制了，法国为了对抗，决定创办自己的国际电影节。但因为二战爆发，筹备工作不得不暂停，直到大战结束后的1946年，才在南部海滨城市嘎纳举行了第一届嘎纳电影节。之后又因为财务元素停办过几次，直到1969年开始，这个著名的电影盛会才稳定地每年举办一次。嘎纳电影节每年评选出最高奖项是金棕榈长片电影奖，中国导演陈凯歌的电影《霸王别姬》在1993年获得过金棕榈奖，这也是中国电影至今在嘎纳获得的唯一一尊金棕榈。

2005年的嘎纳电影节，在经过挑选后最终有35部影片获得资格，在5月10号到21号之间在电影节期间放映，其中21部参加竞赛单元的角逐，就在这21部影片中，有三部来自中国，包括了内地导演王小帅的《青红》，香港导演杜琪峰的《黑社会》以及中国台湾著名导演侯孝贤的《最好的时光》。

法国当地时间2005年5月21号的晚上，第58届嘎纳电影节颁奖礼正式举行。





在三部入选竞赛单元的中国电影中，内地导演王小帅的《青红》获得了评委会特别奖。这个奖项相当于继金棕榈大奖和评审团大奖之后排名第三的最佳电影长片奖。而颁发的原因是评审团里的几位评委对这部电影有强烈的喜好，从而赋予它特别表彰。



这部电影的英文译名叫作<Shanghai Dreams>，青红是片中女主角的名字。

故事发生在上世纪八十年代初期的中国。十九岁女孩青红的家庭是一个典型的移民家庭，六十年代中期，跟随内迁的工厂，很多家庭从繁华大都市上海迁移到了内地边远的贵州。将近二十年过去，无数个像青红家一样的家庭浮萍一样被扔在远离故乡的地方。本以为将终老此地，但随着改革开放，许多家庭开始想办法回上海老家，那里是他们的根，有他们熟悉的生活环境，也能够给下一代更好的前途。青红的父亲就是其中之一。但女孩青红和她的伙伴们并不理解父母的愿望。年轻一代生于斯、长于斯，贵州就是她人生中记忆的一切。在青红心中，这里才是她的家园，有童年的乐趣，有真诚的友谊，还有在青春萌动的心中难以割舍的初恋。



《青红》是导演王小帅的第七部作品，他的另一部影片《十七岁的单车》曾经获得2001年第51届柏林国际电影节评委会大奖银熊奖，也就是今年《孔雀》取得的奖项。

另外值得一提的是，在今年的嘎纳电影节期间，导演陈凯歌带着电影《无极》的11分钟片花在嘎纳一座有着千年历史的古堡里举行了盛大的推介会，活动十分成功，而最让制作方和剧组开心的是，《无极》已经成功地在嘎纳卖出了海外版权。

[ Last edited by 海的那边 on 2006-1-11 at 03:45 ]

2005年3月，一部叫做《一个陌生女人的来信》的电影在国内公映了。它是演员出身的徐静蕾做导演的第二部作品。她把奥地利作家茨威格的同名小说改编到中国的三、四十年代，让一个四十岁的中国中年男人收到一封信，信里是一个将死的女人一生的记忆，以及这个男人并不知晓的漫长爱恋。徐静蕾扮演其中的女主角，同时担任导演，她也因此在2004年捧回了一尊银贝壳。

大家会记得年轻、澹定、青春、美丽的徐静蕾捧着银贝壳时灿烂的笑容，但大概不会有很多人说得出那枚银色的贝壳来自的地方。

那是又一个海滨城市，在西班牙，每年的9月，圣塞巴斯蒂安电影节就在那里举行。


西班牙圣塞巴斯蒂安国际电影节开始于1953年，到80年代已经成为仅次于嘎纳、威尼斯和柏林电影节的第四大国际电影节。它的最高奖项是金贝壳，授给最佳长片。而最佳纪录片、短片、导演、男女演员、摄影等将获得银贝壳奖。

2002年，陈凯歌导演的《和你在一起》就获得了最佳导演银贝壳奖，而在片中扮演天才小提琴手的父亲的演员刘佩琦获得了最佳男演员银贝壳奖，《和你在一起》也成为当年圣塞巴斯蒂安电影节上唯一荣获两项大奖的影片。

2004年，徐静蕾凭借《一个陌生女人的来信》获得了当年度最佳导演银贝壳奖。

而刚刚过去的2005年，第53届圣塞巴斯蒂安电影节上，又一部中国电影一下收获了两枚银贝壳。



演张扬继《洗澡》、《昨天》之后，又一部以父子关系为主题的作品《向日葵》，为他赢得了第53届圣塞巴斯蒂安电影节的最佳导演奖，同时该片的摄像林良中也捧回了最佳摄像银贝壳奖。

在《向日葵》里，北京胡同里一个普通的家庭，父母和儿子，一起走过20世纪70年代、80年代和90年代。父亲不能实现自己的艺术梦想，他用他的方式关爱儿子，而中国社会正在转型的特殊时期，新一代和上一辈之间的对抗几乎成为一批中国人的集体记忆。



片中父子的对抗和一切亲情的细节来源于导演张扬的生活。他说他偏爱写实，而家庭题材是他喜欢的类型。家庭能透视社会，透视时代，任何一个家庭都有很多故事，折射出来的人和人之间的关系，包括人本质的很多东西是一样的。

在《向日葵》里，陈冲扮演母亲，而孙海英饰演父亲。两位都属于实力演技派，为影片增色不少。

《向日葵》2005年10月的时候在国内公映了。



2005，是中国电影诞生的百年，这一年，中国一共拍摄了200多部故事片，而这一年在国内影院公映的内地制作的电影里，我们看到了在欧洲四大电影节上获奖的很多部：3月有《一个陌生女人的来信》、《孔雀》，6月有《青红》，9月有《红颜》，10月《向日葵》。还有，4月的时候，一部叫做《世界》的影片也在影院公映。



赵小桃坐在单轨列车上打电话，她说她要去印度。她以前的男朋友突然来找她，说要去乌兰巴托。赵小桃说的印度是北京世界公园的微缩景点，她在那里跳舞，为游人表演。

她以前的男朋友要去的乌兰巴托是蒙古首都，在北京往北的远方。

他们见面，吃饭。小饭馆里弥漫的烟雾正好掩饰他们告别的忧伤。

赵小桃又坐在单轨列车上，给她现在的男朋友打电话，男友正在艾菲尔铁塔上执勤，他是世界公园的保安队长。

　　两人都住在公园里，一起工作，吃饭，游荡，争吵。

　　他们都来自外地，在这座城市幻想，相爱，猜忌，和解。

　　电影里是2003年的北京。

　　世界公园里布满了仿建的世界名胜的微缩景观，从金字塔到曼哈顿只需要十秒钟。

　　在人造的景观中，生活渐渐向他们展现真实：一天长于一年，世界就是角落。

《世界》也曾经作为竞赛单元作品参加了2004年的威尼斯电影节，虽然没有获奖，但2005年它在国内的公映似乎也变成中国电影一个标志性事件。

[ Last edited by 海的那边 on 2006-1-11 at 03:46 ]

凡是看过《天堂电影院》的人都很难忘记这段音乐和这部电影，它至今仍是我最喜欢的电影之一。和《美国往事》一样，它似乎也在说，人一生最华彩的乐章都书写在25岁之前，而当晚年回忆自己一生的时候，之后那几十年的人生，不管是成功还是平淡，似乎都完全可以不作记述，记忆最深刻的只是生命最青涩但又充满了躁动和兴奋的青春岁月。

《天堂电影院》是意大利导演托尔纳托雷的代表作，它是一部个人生命历程的史诗，也是一部关于电影兴衰的史诗。导演说：天堂电影院并不仅仅是间放映厅。它是一个奇特的、文化与社会启蒙的地方。一代意大利人曾在这里受到熏陶。

意大利是个盛产著名电影导演的国家。

如果说意大利的骄傲在于文艺复兴，那么意大利著名水城威尼斯的骄傲之一就是每年一届定期举行的威尼斯国际电影节。威尼斯电影节创办于1932年。那时候一战已经结束，二战还没开始。那时候的电影更接近电影最初的本源。在历史和人文情结深厚的意大利，在风景秀美的威尼斯，电影节倡导的是“另一种看电影的眼光”。

威尼斯河静静地流淌，它见证了这几十年电影的风云变幻。

威尼斯影节在1946年之后真正形成了自己的风格，它最大的特点是独立自主的原则和冒险精神，信奉“电影为严肃的艺术服务”，以“艺术性”为评判标准。它还以“新、奇、快”地发掘导演而著称，被业内叫作“电影大师的摇篮”。由威尼斯电影节挖掘出来的著名导演包括有像黑泽明、沟口健二这些亚洲电影泰斗。而1951年它授奖给日本导演黑泽明的代表作《罗生门》，这是西方人第一次把焦点对准东方电影。

2005年、第62届威尼斯电影节：在8月31号到9月9号之间举行。在电影节的最终获奖名单上，我们看到了很多中国元素。

最高奖金狮颁给了影片《断臂山》，该片的导演是从香港到好莱坞发展并取得骄人成绩的中国导演李安。虽说他现在拍的是西方的电影，用的是好莱坞的叙事，讲的已经不再是中国的故事，但他血脉中流淌着的思维方式和表达的情感或许有多少还是出自生长的地方。

最佳短片奖归属于中国台湾导演林见坪的《小站》。中国内地导演李玉的《红颜》获得了欧洲艺术奖CICAE。而欧洲艺术交流奖被颁发给香港导演关锦鹏的《长恨歌》。
《长恨歌》根据国内女作家王安忆的获奖同名长篇小说改变，说一个上海传奇女子王琦瑶从璀璨走向平淡的一生，见证上海从40年代末到80年代初的种种变迁，缔造了人和城市一脉相连又相互背离的神话。

片中上海几十年的风情变换，还有女主角王琦瑶的坚持和波折命运，让人唏嘘。



2005年威尼斯电影节的整体安排对于中国来说也非常特别：它选用了徐克导演的《七剑》作为开幕影片，最后又以陈可辛导演的《如果 爱》闭幕，而在电影节的第三天，还专门举行了中国电影百年活动。可以说：中国概念是2005年的威尼斯电影节的特色。而中国电影和电影人在这一届电影节上的成绩也更烘托提升了2005年电影艺术的中国概念。

《无极》
〈夜宴〉
〈霍元甲〉
〈千里走单骑〉
《情癫大圣》
〈野蛮秘笈〉
〈如果·爱〉
欧美作品
〈断臂山〉
〈金刚〉
〈魔力女战士〉
《纳尼亚传奇》
《斯通家族》
《新抢钱夫妻》

如果批评说剧情荒诞，无疑是自讨没趣……别人本来就是打着颠覆的大旗，标着恶搞的名号，如果这个时候看客一本正经地来讨论剧情的合理性，就显得有些闻弦声而不知雅意。

如果批评说没有仙履奇缘和月光宝盒那样经典，又有点言之过早。毕竟当年大话出来的时候，同样是骂声一片，我自己也曾经看得义愤填膺，觉得篡改原著到了让人无法忍受的地步。可是若干年后，大话已经成了人人皆知的经典，我也早就从中间看到了搞笑之下掩盖着的种种诚意。

可是，拿这部《大圣》和《大话》相比，怎么也让人感觉完全不是一个档次的东西。

首先，从剧情方面来讲，本集故事与《大话》基本没有任何的延续性。既谈不上前传，也谈不上后传，更不是外传或者唐僧的别传……电影没有丰富《大话》所建立的任何一个角色，无论是作为主角的唐僧，还是作为配角的孙悟空、朱八戒、沙和尚，与原作相比都显得很单薄。《大话》里的唐僧，虽然是个配角，可是却成功地吸引了诸多观众，留下了很多广为流传的台词，无厘头之下其实有着他的合理性。而《大圣》里，唐僧除了仍然沿用了“罗嗦”的特征，并无任何其它的发挥，对“爱情”的忠诚和执着，又普通的与整部电影的“颠覆”完全不搭调。新增的美艳一角，也和紫霞完全不在一个级别上，丑-->美-->马的转换，并没有给人带来《大话》里那种凄美的体验，而是给人老套和突兀的感觉。试想一下，如果《大话》里最后不是“我猜着了这开头，却没有猜着这结局”，留下齐天大圣落寞的背影，而是孙悟空不畏天规，被暴打一顿后燃烧小宇宙抱得美人归，是否还能带给观众现在的观影体验？一句话，《大话》里虽是无厘头的形式，但其下每一个镜头和情节都透着认真；《大圣》却是用形式代替了内容，试图用极度的夸张和恶搞来掩盖内容的苍白。我们很容易为紫霞而感动（即使是当初我还很不习惯这种恶搞的拍法，也有这种体会），却很难对美艳产生感情。看完电影，愿意找一个紫霞这样的女子为伴侣的人估计大有人在；可是愿意找美艳的，我悲观地估计会少得可怜。这就是角色魅力的不同。

其次，从演员的功力来讲，《大圣》与《大话》也是不可比的。周星驰与谢霆锋，在塑造这类无厘头的角色上，可以说一个是有独特创造力的大师，一个是只会在较浅层次上表现导演要求的演员，实在是天差地别。打个不是很恰当的比方来形容，就是周星驰是能够领会领导意图并用自己的语言表达出来的熟练秘书，谢霆锋却是一个只能完全按照领导口述作记录的书记员。谢霆锋饰演的“唐三藏”，很明显的在模仿罗家英，但是又因为角色的限制，没有罗家英那样自然大方。而且他的相貌太过英俊，扮演这种角色先天就输了罗家英一筹，就象叫汤姆克鲁斯去模仿艾迪莫菲或者杰克布拉克，无论如何也让人感觉不象。蔡卓妍一直让我觉得红得莫明其妙，既无演技又无卖相，这次也仍然没有扭转我的一贯观感。丑的时候倒是与她习惯的装疯卖傻相一致，后来恢复真身了，就越发显得稚嫩。至于范冰冰和其他几个配角，除了红孩儿有点不错的印象，都是完全可以用路人甲乙丙来代替了。

对《大圣》一片，我可以接受外星人与中国神话人物大战，可以接受游戏过场动画式的特技，可以接受金箍棒变成航天飞机的天方夜谭，但是我却不会赞同这种将《大话》的精髓完全剥离，只留下关公战秦琼式的大杂烩外壳的做法。古人有买椟还珠的典故，这次刘镇伟拍《大圣》，也是留下了《大话》的椟，弃掉了《大话》的珠。看似完全的颠覆，骨子里却是苍白无力的。

如果……只是如果，《大圣》能把唐僧为什么会那么罗嗦、唐僧为什么会成为取经、唐僧为什么会和孙悟空等走在一起，用类《大话》的方式拍成一个外传，我想会比现在要精彩的多。金蝉子的感情故事，绝不会比齐天大圣逊色多少；江流儿的传奇，也完全可以站在与孙行者同等的高度……

《千里走单骑》,这么一部温情片愣是没感动起来，倒是哪些场景是解构、哪些场景是“去主题”的东西想了不少。

   后现代也是个说来话长的东西呀……有学者论证，后现代是消费文化的必然产物，而消费文化又是工业社会的必然结果。后现代对经典的工业主义的背叛，当然本质与形式都无一幸免——在本质上，它抛弃了现代主义的逻辑、理性与宏大主题以及历史感，形式上则另辟蹊径、反对严密与和谐，主张时间与空间的融合、符号与形象的拼贴。那为啥现代主义好好的就会有后现代主义来推翻它呢？额……又是个说来话长的问题。除了上面所说工业文明所带来的消费主义是强有力的推动力之一外，工业文明内在的矛盾与西方哲学在20世纪遇到的难题也是催生因素，至于怎样催生，那是这篇小文所力不能及的。这里就想说明一个问题，就是，工业文明之后，后现代就大行其道了……不管东方还是西方。

   香港在80年代开始摆脱制造业的强烈影响，开始向金融中心与服务业中心发展。后现代在华语地区的展露头角，应避不过香港。周星驰是个好电影人，中文的后现代语境在他手里变得像狗一样满大街跑，这当然不是贬意，如果从后现代的眼光来说的话。其实周星驰当初未必就是故意地要去开发这一片处女地，他只是想拍喜剧电影。而且后现代的某些特征在前周星驰电影中就已大量出现。记得有一部吴君如演的电影叫《花田喜事》，也很恶搞……绝对是无厘头先锋。

   于是这样就出现了一些偏差。因为喜剧虽然是后现代解构经典之后的效果之一，但后现代在引起最初的一阵笑浪之后，对现代文明的反思（反思不应该也不必深刻，深刻就不是后现代，深刻对于后现代来说是一个贬意词）与经典失落后“利刃刺向虚无”般的消散感的体验，会是更有力量的表现主题。（原谅我说“主题”这个词，因为对后现代来说，“主题”、“主体”之类的词是十恶不赦的）香港电影没有很好地去挖掘这一资源，可能是周星驰的影响过于强大，他主导了整整一代人的后现代喜剧取向，容不得后现代居然还有其它途径。（彭浩翔会是突破？）

    《千里走单骑》的故事线索非常明确，人物也是有板有眼，很难与让人把它与后现代联系起来。有可能真的是我这几天论文写得昏头了……看过高仓健的访谈，他说：在旅馆对着摄像机诉说心事的那场戏，他真的感到了主角的孤独。于是这位向来的银幕硬汉落下了眼泪。如果导演如实记录的话，那必又会是一场俗气的煽情戏，因为主角自言自语直到悲伤欲绝的桥段已屡见不鲜。张在此刻采取非常灵活的手法，与后现代主义的消解手段非常相似。首先，主角与观众的语言是不通的，这造成了第一层的消解，因为语言的再生与被赋予歧义是后现代的重要法宝，但这远远不够，因为整部电影都是由语言的翻译沟通作为连接点的，这一刻的异质语言并不会产生期望中的隔膜效应。然后有第二步，就是导演并不直接拍摄镜头前流泪的主角，而是间接地拍摄电视画面中的主角自拍时的影像，而且坐在电视机前看主角流泪的是一些中国的基层官员。这造成了第二层面的消解，隔膜效应进一步加强，观众在此时虽有感动，但已不可能陷入被煽情了。第三步进入了整个布局的高潮，导演安排了一位朴实土气善良又有点搞笑的导游站在电视机前用汉语读着主角的自白，又故意地让两面锦旗交换了顺序。这时，所有煽情紧张等情绪都被成功消解，留下的只是一片笑声过后的沉默与思考。显然的，这样比单单拍摄一个长镜头的主角哭泣的场景要高明，因为留下了回味的余地。但是张艺谋的目的不是搞笑，他必须做好平衡，不能另这场戏滑向一个虚无，所以在这场戏的结尾，他增加了这样两个镜头，一个是主角流泪的特写，一个是主角在昏黄的路灯下踯躅。这两个镜头把观众又拉回原地。

   所以这部片子很多地方还是成功的，张艺谋试图用后现代的消解手段，让观众在不煽情的镜头下达到感动的效果，确实很多人被感动了。当然也有败笔，最后一场戏，那些囚犯流泪的特写镜头根本不需要，因为即使没有这些特写，整场戏的气氛已经很足了，有了这些特写，这场戏就中气外泄，降了档次了。

楼上很专业呀，呵，是不是刀片朋友》？